Opus 17

Opus 17 (1970), 96' Processed tape recorder feedback Realized in the author's studio in Paris. Premiered on May 23 1970 at the Centre Artistique de Verderonne, for the “Fête en blanc” (“Party in White”), a happening curated by Antoni Miralda, Joan Rabascall, Dorothée Selz and Jaume Xifra. In 5 parts: - Étude - Maquette - Épure - Safari - N°17 “Opus 17”, a major turning-point in the musical course of Éliane Radigue, was finished in 1970, and consistes of five distinct scenes. It was the last work composed with feedback materials. It is also the one in which Éliane Radigue returned to definitive time-frames, after several years of building “Musique sans Fin” (Endless Music) intended for ad libitum broadcast in a specific space (gallery, museum), an approach which intuitively joined music and the visual arts. From that experimental period “Opus 17” preserves the plastic character : a music made of rough sonic phenomena, at once harsh and granular, possessing a quality of materiality and tactility. Its vibrations structure the air surrounding the listener with densities, thicknesses, indeed with palpable movement. And yet one must recognize that Éliane Radigue has given her life to an essentially artificial material. One so very simple from which she has known how to draw out colours, tastes, and unheard-of intensities. Her procedures, of feedback and slowed-down by working with magnetic tape, are intrinsically animated: they have their own voice, lyric quality, “expressive force” as Éliane Radigue tells us. In other words, before she began composing she learned how to produce sounds which live and sing and touch us. Her compositions are frames which let us hear these phenomena, open frameworks from the sonic installations of her “Musiques sans Fin” (cf. “Feedback Works 1969-70” double LP) and here reinserted in the five scenes making up “Opus 17”. Éliane Radigue probably feels that the infinite can nest itself in a reduced time-scheme, which she will work on her whole career. In 1970, in her studio of very rudimentary means, she developed personal techniques for a completely unique body of work. She defines this work as being centered on sounds produced by feedback. “Opus 17” has the quality of showing off the sum of the achieved techniques and methods. Éliane Radigue’s music has never been rooted in ideas but in practice, the intimate experience of things in the wild which she has known how to tame. This dialog both intense and poetic which she keeps up with the solid matter of sound finds a remarkable concretization in “Opus 17”. This work starts off with a surprising “Étude” : several notes played on the piano flow from the speakers, it is something by Frederick Chopin…! The fragment, as a loop of a few minutes, comes back again but never completely identical; it is inexorably transformed until becoming unrecognizable after some repetitions. Éliane Radigue used a procedure to alter the loop which has become famous through Alvin Lucier’s masterpiece “I am sitting in a room”: played into a room and picked up by a microphone from the speakers, which recording becomes in turn played-back and recorded, to be done again, and so on… until the original signal ends up by being swallowed up by the room resonance. The result is a tranquil flux articulated by the original forms inscribed on the tape. Knowing the biography of Éliane Radigue, from the piano lessons of childhood taken in secret from her parents, to her passion for certain works from the classical repertoire, it seems to me evident that this “Etude” contains a selfportrait both intuitive and prescient in a certain sense: we are slowly directed from her first lessons to the large electronic waves which will make up a large part of the work to come. Intrigued by what could have led to the choice of such a technique, I asked her if she had been inspired by the work of Alvin Lucier. To which she replied : “No….when I wrote that piece I did not yet know Alvin Lucier, only after did I get to meet him…..His piece is magnificent and I remember being struck when I saw ‘I am sitting in a room’ because it was the same technique! You know, it was one of those studio techniques of the time, well known to all who worked in electronic studios. We did not yet have all these electronic effects—you had to have imagination to get something. And the possibilities were not infinite, so sooner or later you came across something used by someone else. I remember calling that technique “electronified erosion”. I think you can understand what's going on this way, isn't it?” The second piece, “Maquette”, uses the same technique, but only exposes the point where the original signals are already altered. Éliane Radigue has for a long time made a mystery of the source material for that piece, but finally admitted what was the original music: “I took an extract from ‘Parsifal’, I think the transformation scene… the theme at that moment could be correctly made into a loop. I worked it over a bit by mixing and electrerosion in order to keep only those parts transformed by the process. It was my homage, my ‘thank you Mr. Wagner!’” Unrecognizable, to tell the truth, the original source transforms into a phenomenal swell, of a climate heavy, slow, and imposing. There is something magical, immemorial even, which is in play in this “Maquette”. “Épure” follows, built on the astonishing sonorities which ER knew how to make from the feedback of two tape recorders: electro-organic pulsations, vast currants of thick and lively soundwaves. “Épure” as the name indicates, is a very simple piece: Pulsations a little like agitated heartbeats slowly change into a homogeneous enveloping flux, a progressive passage from an artery to a river… A minimalist structure harking back to her first work, “Jouet électronique”, written in 1967 at the Apsome Studio when she was Pierre Henri’s assistant. The fourth piece, “Safari”, really deserves its name! After opening with a groan which could be that of a fabulous dream creature, the piece develops in a stupefyingly polyrhythmic dance, a whole world of percussion and chant… you would think to be hearing the striking of wood and skins, voices, and wind instruments! While here too feedback is the only material. The work ends with “N°17” which is composed with sound sources coming from the entirety of the techniques introduced in the four preceding “études”. It is to be underlined that here Éliane Radigue inaugurates a technique of composition which will be her footprint, her trademark: “imperceptible transformations”. For that she has developed a technique of meticulous mixings, based on the slow passage from one section to the next. Imperceptible, all during the piece, we pass, ceaselessly and without noticing the changes, from one frequency flux to another. Time is suspended, smoothed out, stretched… It is this technique which ER will be essentially using for all the electronic works to come and which she will never cease to refine and render always more subtle. “Opus 17” is the great panoramic voyage through material sound, its electronic phenomena detailed as if in a microscope. Could feedback really contain such a universe? “Yes”, the work of Éliane Radigue answers, but that exploration was not that easy: one had to learn to “listen”. It required Éliane Radigue’s great demands on listening which led her to the discovery of such treasures. Unknown riches in a material often rejected as trivial. Emmanuel Holterbach, June 2013 Éliane Radigue (1932-) Éliane Radigue was born in Paris. She studied Musique Concrète techniques at the “Studio d’Essai” of the RTF under the direction of Pierre Schaeffer and Pierre Henry (1956-57). She was married to the painter and sculptor Arman and devoted ten years to their three children. She then worked with Pierre Henry, as his assistant at the Studio APSOME (1967-68). She was in residence at the New York University School of Arts (1970-71), the University of Iowa and the California Institute of the Arts (1973) and Mills College (1998). She has created sound environments using looped tapes of various durations, gradually desynchronising. Her works have been featured in numerous galleries and museums since the late 60s and from 1970, she has been associated to the ARP 2500 Synthesizer and tape through many compositions from “Chry-ptus” (1971) up to “L’Île re-sonante” (2000). These include: “Biogenesis”, “Arthesis”, “Ψ 847”, “Adnos I, II and III” (70s), “Les Chants de Milarepa” and “Jetsun Mila” (80s) and the three pieces constituting the Trilogie de la Mort (1988-91-93). Since 2002, she has been composing mostly acoustic works for performers and instruments. Her music has been featured in major international festivals. Her extremely sober, almost ascetic concerts, are made of a continuous, ever-changing yet extremely slow stream of sound, whose transformation occurs within the sonic material itself. ------ Opus 17 (1970), 96' Feedback sur bande magnétique Réalisée au Studio de l'auteur, Paris. Création le 23 mai 1970 Centre Artistique de Verderonne pour la “Fête en blanc”, un happening organisée par Antoni Miralda, Joan Rabascall, Dorothée Selz et Jaume Xifra. En 5 parties : - Étude - Maquette - Épure - Safari - N°17 Achevée en 1970, et constituée de cinq tableaux distincts, “Opus 17” est une pièce qui se situe à une charnière importante du parcours musical d'Éliane Radigue. “Opus 17” est la dernière œuvre composée avec le matériau feedback. C'est aussi celle avec laquelle Éliane Radigue revient à des cadres temporels définis, après quelques années à bâtir des “musiques sans fin” destinées à être diffusées “ad libitum” dans un espace donné (galerie, musée) ; une approche ouverte qui associait intuitivement Arts Plastiques et Musique. “Opus 17” conserve de cette période expérimentale le caractère plastique : une musique faite de phénomènes sonores rugueux, âpres, granuleux, possédant des qualités tactiles, matérielles. Des vibrations qui structurent l'air autour de l'auditeur avec des épaisseurs, des densités, des mouvements palpables. De même il faut reconnaître qu'Éliane Radigue a su donner vie à un matériau d'essence artificielle. Un matériau simple dont elle a su tirer des formes, des couleurs, des saveurs, des intensités inouïes. Ses processus de feedback, ses effets larsen ralentis par le travail de la bande magnétique, sont intrinsèquement animés : ils ont une voix, un lyrisme qui leur est propre, une “force expressive” nous dit Éliane Radigue. En d'autres termes elle a appris, avant de composer, à produire des sons qui vivent et qui chantent, et qui nous touchent. Ses compositions sont des cadres qui donnent à entendre ces phénomènes, des cadres laissés ouverts lors des installations sonores de ses “musiques sans fin” (voir “Feedback Works 1969–1970”), et ici resserrés dans les cinq tableaux constituant “Opus 17”. Éliane Radigue sent probablement que l'infini peut venir se nicher dans une temporalité réduite, ce à quoi elle va travailler sa carrière durant. En 1970 elle a développé dans son studio privé rudimentaire des techniques de travail tout à fait singulières et qui lui sont propres. Toutes centrées autour du travail de sons produits par feedback, elles définissent son œuvre. “Opus 17” a cette particularité d'exposer la somme de ces techniques et méthodes acquises. La musique d'Éliane Radigue n'a jamais trouvé racine dans l'idée mais dans la pratique, l'expérience intime de phénomènes sauvages qu'elle a su apprivoiser. Ce dialogue intense et poétique qu'elle entretient avec la matière sonore trouve une concrétisation remarquable dans “Opus 17”. “Opus 17” démarre avec “Étude” qui a de quoi surprendre : quelques notes jouées au piano se déroulent des haut-parleurs, c'est une musique de Frédéric Chopin…! Le fragment de quelques minutes, en boucle, revient, pas tout à fait à l'identique et se transforme inexorablement jusqu'à devenir méconnaissable après un certain nombre de répétitions. Éliane Radigue a utilisé pour altérer cette boucle un procédé rendu célèbre par Alvin Lucier dans son chef d'œuvre “I am sitting in a room” : la boucle est jouée dans une pièce, enregistrée en sortie de haut-parleurs avec un micro. Puis l'enregistrement est à son tour diffusé et enregistré, puis encore diffusé, etc. Jusqu'à ce que le signal d'origine finisse par s'estomper dans les fréquences produites par la résonnance de la pièce. En résulte un flux paisible articulé par la forme originale inscrite sur la bande. Connaissant la biographie d'Éliane Radigue, des cours de piano qu'elle a suivis en cachette de ses parents durant l'enfance à sa passion pour certaines œuvres du répertoire classique, il me semble évident qu'il y a, d'une certaine façon, dans cette “Étude” un autoportrait à la fois intuitif et prémonitoire ; nous naviguons lentement de ses premières leçons de piano aux flux électroniques amples qui constitueront une grande partie de son œuvre à venir. Intrigué par ce qui pouvait l'avoir conduite à choisir cette technique j'ai demandé à Éliane Radigue si l'œuvre d'Alvin Lucier l'avait inspirée, ce à quoi elle m'a répondu : “Non… quand j'ai composé cette pièce je ne connaissais pas encore Alvin Lucier, ou alors je venais de le rencontrer… Sa pièce est magnifique, et je me souviens que j’avais été frappée quand j’avais vu ‘I am sitting in a room’, car c'était la même technique ! Tu sais, c'était une des techniques de studio qu'on pouvait utiliser à l'époque, elle était connue par ceux qui travaillait en studio électroacoustique. Il n'y avait pas encore tous ces effets électroniques, il fallait être imaginatif pour arriver à quelque chose… et les possibilités n'étaient pas infinies, si bien que tôt ou tard on retombait sur une technique utilisée par quelqu'un d'autre. Je me souviens que j'avais nommé cette technique ‘érosion électronisante’, je crois qu'on peut comprendre ce qui se joue de cette manière, non ?" La seconde pièce, “Maquette”, utilise le même procédé d'“érosion électronisante”, mais n'expose que le moment ou les signaux d'origine sont déjà altérés. Éliane Radigue a longtemps fait mystère des sources originales de cette pièce, mais a fini par avouer quel en avait été le matériau : “J'avais pris un extrait de ‘Parsifal’, je crois que c’est la scène de la transformation… et le thème à ce moment pouvait se boucler correctement. J'ai retravaillé un peu tout ça par mixage et ‘érosion électronisante’, pour ne conserver dans ‘Maquette’ que la partie très transformée du processus. C'était mon hommage, c'était mon ‘merci monsieur Wagner !’” Méconnaissable à vrai dire, la source originale se métamorphose en une houle phénoménale, au climat lourd, lent et imposant. Il y a quelque chose de magique, d'immémorial qui se joue dans cette “Maquette”. Suit “Épure” bâtie de ces sonorités étonnantes qu'Éliane Radigue savait fabriquer avec le feedback de deux magnétophones “accrochés” : pulsations électrico-organiques, vastes courants de fréquences épaisses et vivantes. “Épure” comme son nom l'indique est une pièce très simple : des pulsations qui ont quelque chose d'un battement de cœur agité se transforment lentement en un flux homogène et envoutant, un passage progressif de l'artère au fleuve… Une structure minimale qui renvoie à son œuvre inaugurale, “Jouet électronique” composée en 1967 au Studio Apsome alors qu'elle était assistante de Pierre Henry. La quatrième partie “Safari” mérite réellement son nom ! Après une ouverture faite d'un grondement, qui pourrait être celui de quelque fabuleuse créature onirique, la pièce se déploie dans une danse polyrythmique stupéfiante, tout un monde de percussions, de chants… On croit entendre des peaux, du bois frappés, des voix, des instruments à vents ! Alors qu'ici aussi le feedback est le seul matériau… L'œuvre se clôt avec “N°17” qui est composée avec des sources provenant de l'ensemble des techniques exposées dans les quatre “études” précédentes. Ce qu'il faut souligner c'est qu'Éliane Radigue inaugure ici une technique de composition qui va faire sa touche, sa patte : “les transitions imperceptibles”. Pour cela elle a développé une technique de mixage minutieuse, basée sur la lenteur du passage d'une partie à l'autre. Imperceptiblement, sur toute la durée de la pièce, nous passons sans cesse et sans sentir les changements, d'un flux de fréquences à l'autre. Le temps est suspendu, estompé, étiré… C'est cette technique qu'utilisera essentiellement Éliane Radigue pour toutes les œuvres électroniques à venir et qu'elle ne cessera d'affiner de rendre toujours plus subtile. “Opus 17” est ainsi ce grand voyage panoramique à travers le matériau son, les phénomènes électroniques détaillés comme au microscope… Se pouvait-il que le feedback contienne de tels univers ? “Oui” nous répond l'œuvre d'Éliane Radigue, mais l'exploration n'était pas si aisée : il aura fallu apprendre à “écouter”. Il aura fallu à Éliane Radigue cette grande exigence d'écoute qui l'a amenée à trouver des trésors, des richesses ignorées dans un matériau souvent rejeté, considéré comme trivial. Emmanuel Holterbach, juin 2013 Éliane Radigue (1932-) Éliane Radigue est née à Paris. Elle a étudié les techniques de la musique concrète au “Studio d’Essai” de la RTF sous la direction de Pierre Schaeffer et Pierre Henry (1956-57). Mariée au peintre sculpteur Arman, elle consacre une dizaine d’années à leurs trois enfants. Elle deviendra ensuite l’assistante de Pierre Henry au studio APSOME en 1967 68. Elle a été en résidence à l’école des Arts de l’Université de New York (1970-71), à l’Université de l’Iowa et à l’Institut d’Arts de Californie en 1973, et au Mills College en 1998. Elle crée des environnements sonores constitués de bandes sans fin de différentes durées se désynchronisant progressivement. Ces œuvres sont présentées dans de nombreuses galeries et musées à la fin des années 60. Depuis 1970, elle est liée à l’ARP 2500 Synthesizer et à la bande magnétique en de nombreuses créations depuis “Chry-ptus” (1971) jusqu’à “L’Île re-sonante” (2000). Parmi ces créations : “Biogenesis”, “Arthesis”, “Ψ 847”, “Adnos I, II et III” (années 70), “Les Chants de Milarepa” et “Jetsun Mila” (années 80). Puis en 1988-91-93, les trois pièces constitutives de la “Trilogie de la Mort”. Depuis 2002, elle poursuit la composition avec et pour des musiciens instrumentistes, des œuvres essentiellement acoustiques. Ces musiques ont été présentées dans les principaux festivals internationaux. Ses concerts d’une extrême sobriété, quasi ascétique, sont constitués d’un flot sonore continu, sans cesse changeant, d’une extrême lenteur, la transformation s’effectuant dans la masse sonore même.